WERNER HERZOG ESPEJISMO DE SUEÑOS OLVIDADOS

La escritura cinematográfica de Werner Herzog ha devenido la representación de los avatares del dispositivo cinematográfico a caballo entre finales del siglo pasado y comienzos del presente. La hibridación entre ficción y realidad ha acompañado la constante búsqueda de una verdad cinematográfica de naturaleza poética y extática por parte de este cineasta apátrida a lo largo de una filmografía transitada por una galería de personajes conformada por individuos desarraigados, marginales y marcados por la diferencia en rebelión contra una sociedad (cuya tendencia represora Herzog desenmascara con insistencia) que los rechaza. El dispositivo herzoguiano ubica en el centro de su universo fílmico aquello que los modelos de representación hegemónicos flanquean y soslayan, pues el del autor de Fitzcarraldo es, en forma y en contenido, un cine de la alteridad, de la diferencia. La presente monografía se vertebra a partir de ensayos escritos por diversos autores (que constituyen un muestrario de heterogéneas metodologías) en torno a aspectos temáticos, narrativos y/o formales de su obra y del análisis de gran parte de su filmografía, en los que afloran los grandes temas que el realizador aborda en sus películas: el fantasma de la locura, el éxtasis, el fanatismo, el choque intercultural, las barreras para la genuina expresión humana y la rebelión del individuo contra la sociedad, las circunstancias vitales y/o las fuerzas naturales, entre otros.

Vinculado a la ya legendaria productora Hammer Films, para la que dirigió sus mejores películas, Terence Fisher fue un cineasta despreciado en su momento hasta que, en las últimas décadas, su obra se ha visto notablemente revalorizada y situada en el exacto lugar que merece. El cine de Fisher va mucho más allá de su aparente marco genérico. Sus ambivalentes imágenes y los vericuetos de su guión ocultan una serie de líneas temáticas que van desde la reflexión social hasta la psicológica, pasando por un tratamiento del miedo y el sexo que llegó a revolucionar el cine de terror en su momento imponiendo unas constantes de las que, a día de hoy, todavía se sirve el género. Esta mono­grafía, la primera publicada en castellano sobre Terence Fisher, explora toda su filmografía, prestando especial atención a su primera etapa como director y analizando minuciosamente cada una de sus películas.

Terence Fisher, autor; Actividades previas; Depuración formal (1968-1973); Filmografía; Bibliografía.

“Con Fellini no había momentos de drama. Para él, hacer películas siempre fue un juego, una fiesta, una fiesta sin fin.” (Marcello Mastroianni) Este libro recoge recuerdos, anécdotas, opiniones e impresiones de Federico Fellini plasmados a través de décadas de escritos y declaraciones. Mitad biografía, mitad análisis cinematográfico, acompaña al lector por más de cuarenta años de historia europea, que principian en la Italia fascista de su infancia, al tiempo que ofrece lecciones magistrales para profesionales y aficionados sobre su concepción del cine en sus distintas manifestaciones, la técnica creativa y un modo de reinterpretar y reelaborar la realidad confiada a la imaginación y los sueños. Las primeras visiones de su infancia en Rimini, que rememora con una suerte de ternura y miedo; el conmovedor despertar de su vocación cinematográfica; el paradigma del cine como un espectáculo circense, mezcla de técnica, precisión e improvisación; su inspiración y sus ídolos, la abuela Franzscheina, la prostituta Gradisca, Jung o Picasso… llegan hasta nosotros desde la voz y la pluma de este sincero mentiroso que contemplaba la vida con ojos de provinciano, este caricaturista para quien todo y nada era autobiográfico, que encontró en sus fantasías y obsesiones el material para sus películas.

Cinéfilo compulsivo, miembro de la Resistencia, cineasta amateur, creador de sus propios estudios de cine, maestro de los realizadores de la Nouvelle Vague, director de una serie de policíacos inconfundibles, creador de un universo cinematográfico que le pertenece en exclusiva. Todas estas circunstancias marcaron el itinerario vital y sobre todo creativo de Jean-Pierre Melville. Cuando comienza el rodaje de Le silence de la mer, en 1947, está dando inicio no solo una trayectoria cinematográfica que se constituirá en una de las aportaciones más singulares de la cinematografía francesa de los siguientes veinticinco años, sino que asimismo está naciendo uno de los principales precedentes a los que acudirá la generación que a finales de los cincuenta modificará trascendentalmente el cine de su país. Pero la radicalidad y el inconformismo que informan esta opera prima serán en realidad las que definan toda la obra de su autor, un trayecto creativo que importa un creciente aislamiento formal, un imparable proceso de ensimismamiento que llega casi a lo autárquico, una paulatina especialización y un repliegue de progresiva densidad en sus obsesiones. Así, a partir de los años sesenta su personal modulación del cine negro constituirá la aportación europea más perdurable al género. Y, paralelamente, sus tres películas ambientadas en la época de la Ocupación, que atraviesan su carrera desde sus inicios hasta su época final, convierten a Melville probablemente en el realizador que mejor ha tratado ese período. Este libro supone la primera monografía en español dedicada a Jean-Pierre Melville. En él se repasan las circunstancias históricas e industriales en que realizó su obra, se tratan las particularidades de cada uno de sus filmes y la aportación de cada una de ellos a la evolución de su obra, los rasgos más definitorios de su peculiar tratamiento del género negro, de un cine histórico centrado exclusivamente en el período de la Ocupación o de su muy personal forma de afrontar la adaptación de obras literarias. Asimismo, en congruencia con la intensa ligazón de la obra del cineasta protagonista de este libro, se analizan algunas de las claves (eminentemente formales) que recorren la carrera de Melville prácticamente de principio a fin. Por último, un apartado que sirve como epílogo rastrea las huellas de su obra en el cine de las últimas décadas, lo que se ha materializado en películas de directores como Rainer W. Fassbinder, Fernando di Leo, Jim Jarmusch o Quentin Tarantino.

Cineasta en pie de guerra con la industria del cine comercial que adormece la conciencia de sí, esto es, de los propios poderes. Hace la guerra haciendo, de la cámara, un ojo sensible a los umbrales, los márgenes y las mareas. Actor, guionista y productor, esto es, creador integral. Aviador profesional con vocación de riesgo, así en el cielo como en la tierra. Creyó en el filme como una obra en perpetua e interminable construcción, compartida con un espectador activo. En la imagen como un gesto político, sin carné partidario ni pretensiones pedagógicas. Y en la palabra como otra forma del acto de mirar, preferiblemente hacia adentro, para interrogarnos quiénes somos y de qué seremos capaces. Rodó en todos los soportes que estuvieron a su alcance, para indagar qué había del otro lado de un espejo. Dejó este puñado de Notas sobre la imagen escrita como preguntas a bordo de un tren, o dibujos al borde del mar. Creyó en la memoria como una red en la que atesorar dibujos o preguntas, puestos a salvo del vértigo de la velocidad y del avance lento e inflexible del agua. Leer estas notas es recordar cuánto se puede tocar, demoler y reconstruir, sin extender las manos ni mover los pies, al abrir, y también al cerrar, los ojos. Su reflexión a través de la escritura enriqueció su creación fílmica y lo acompañó en una trayectoria a la vez compleja y ascética, exigente. En la década de los sesenta estuvo en España donde realizó una serie de significativos documentales hasta llegar a la importante e innovadora Octubre à Madrid (1967). Desde entonces, España fue para Hanoun un lugar para la amistad y acogió siempre en su casa, con cariño y generosidad, a los cineastas que desde nuestro país se acercaron para conocer de primera mano su magisterio. Y es esa generosidad suya, tan afable y sincera, la que lo convierte en una rara avis de la fauna cinematográfica.

Las Historia(s) del cine de Jean Luc Godard son un despliegue de citas (de imágenes, textos y sonidos) ensambladas, intervenidas y ancladas en el arte del montaje, esa vía regia ambivalente entre el síntoma y la síntesis, el hallazgo fortuito y el axioma. Citar es citar a comparecer, a rendir cuentas ante el presente de la historia. Es romper el acto de interlocución para que brote el géiser de los significados imprevistos, es desmontar y reencuadrar para ver lo que no se ha visto, para remontar lo que se montó sin ver. Godard: el trauma y la culpa de que el cine haya ignorado el Holocausto, la proyección de esa cuenta pendiente en el horror contemporáneo (el conflicto palestino-israelí), la revuelta obstinada contra el origen (el maoísmo radical del Mayo Francés contra la familia antisemita en tiempos de guerra). Godard: la oscilación entre la puesta en poema y la puesta en fórmula, la exploración y el dogma, la huella de la historia y la imagen de marca, el instante frágil e impuro y la verdad decretada sin matices. Del montaje-preocupación, ávido de deseo, al montaje-fusil, ávido de una conclusión. El no comment godardiano como apertura experimental y como clausura institucionalizada (porque lo dice Godard, desde su estatuto de autor y autoridad, desde su estatura de estatua). Godard, tan cerca de la deconstrucción y el metalenguaje, tan lejos del fragmento en bruto de lo real; tan cerca, siempre, de Malraux, tan lejos, a veces, de Benjamin. Un arte inmenso que toma posición y se deja tentar por la toma de partido, que empuña el sello de la obsolescencia del pasado frente a la supervivencia de lo antiguo. Godard frente a Pasolini, su gemelo en las antípodas. No hay inocentes ni oprimidos en el cine de Godard. Pero Godard es imprescindible. Godard: cirujano infatigable y altivo profeta, desmontado por Georges Didi Huberman. Bajado, con manos rigurosas, de la parálisis del pedestal. Puesto a rodar entre otras historias inconclusas, vuelto humano.