** TEORIAS DEL ARTE LAS

Cauquelin establece una tipología de las teorías del arte desde el punto de vista de sus efectos. A menudo surge la pregunta «¿Para qué sirve la teoría si las obras hablan por sí mismas a la sensibilidad?». Dicha interrogación no deja de remitir a una teoría: la de la intuición directa de lo bello y de la sensibilidad artística universal. Sin embargo, habría que demostrar cuál es la acción de lo teórico en el dominio del arte y cómo se articula con el cuestionamiento de la obra, cuáles son los modos en que se manifiesta: tal es el propósito de Las teorías del arte. Para llevar a cabo este proyecto, la célebre teórica francesa Anne Cauquelin -que hasta ahora permanecía inédita en castellano- establece una tipología de las teorías existentes desde el punto de vista de sus efectos. Veremos entonces que, por un lado, tal tipología no corresponde para nada con el orden histórico y, por otro, para tomar en cuenta dichos efectos, la autora convoca una amplia gama de discursos que no suelen considerarse como teorías propiamente dichas, aunque impactan directa o indirectamente en las prácticas artísticas. Cauquelin abre el campo a discursos de distinto género, como los de los críticos e historiadores de arte, de los especialistas en semiótica, de los fenomenólogos, de los psicoanalistas y de los propios artistas, que a menudo teorizan acerca de su práctica. El libro también desmenuza con lucidez el «rumor teórico» de los innumerables y no siempre anónimos «opinadores» que dicen no saber nada de arte, pero cuyas intervenciones son generalmente muy fuertes y a fin de cuentas actúan también como auxiliares teóricos importantes, por su acción específica en el dominio del arte.

Este ensayo sobre la estética en la cultura moderna emplea el concepto de modernidad en dos sentidos diferenciados. Por un lado, el término se refiere al período de formación que se extiende desde finales del siglo XVII, promovido por el debate en todos los dominios artísticos entre los antiguos y los modernos, hata el primer tercio del siglo XIX. La construcción de lo moderno es inseparable de la ruptura de los órdenes estables del Discurso clásico; se vincula, pues, al abandono del ideal de perfección humanista y a la destrucción de la imagen clásica del mundo y del arte, lo cual no disipa su permanente añoranza. Por otro, la modernidad, en el sentido más estricto de modernité, es encumbrada por Baudelaire, hacia mediados del siglo XIX, a la categoría por antonomasia de una nueva estética. Simon marchan Fiz se propone deshilvanar ciertos hilos conductores, ciertos paradigmas de los saberes estéticos desde los albores de nuestra modernidad, así como comprometer a la propia estética con esta modernidad y a la inversa.

El surrealismo ha sido generalmente visto tal como su fundador, André Bretón, quiso que se lo viera: como un movimiento de amor y liberación. En Belleza compulsiva Hal Foster, uno de los mas brillantes pensadores y teóricos del arte, analiza con extraordinaria lucidez el corazón mismo del surrealismo y lo hace desde el lado más oscuro de aquella singular vanguardia. Porque el surrealismo estuvo siempre íntimamente ligado a lo siniestro, a la compulsión de repetir el instinto de muerte. El estatuto de la obra de arte surrealista es el de la era del psicoanálisis.Belleza compulsiva no sólo aporta una lectura nueva y muy fundada del surrealismo, sino que propone una reconsideración del modernismo a la luz del shock capitalista y del desarrollo tecnológico. Foster discute el destino del surrealismo en la actualidad, en un mundo que se ha vuelto surrealista.

En Psicodelia, y ready-made, el recorrido crítico de Diedrich Diederichsen atraviesa zonas relegadas de la historia de la cultura y la vanguardia artística para detenerse en ciertos momentos, producciones y objetos que parecían destinados al archivo. El autor rescata lúcidamente materiales que alguien asociaría a la memorabilia de un siglo XX en vías de ser olvidado. ¿Qué pueden aportar a nuestra comprensión de la historia y la cultura ciertas producciones de la cultura pop, como las canciones de los Beatles o de los Talking Heads, la pornografía indie, el envoltorio de los viejos discos de vinilo o los espacios urbanos de reunión y encuentro juveniles? La respuesta de Diederichsen recuerda a teóricos marxistas como Walter Benjamin y, sobre todo, Ernst Bloch, porque propone entender toda producción cultural y artística como un modo en que los hombres y mujeres procesan su experiencia, y en la que se dejan entrever proyecciones de su situación histórica, entremezcladas con alusiones a un horizonte de futuro que sería constitutivo de los seres humanos. Mirada en retrospectiva, toda obra de arte sería, además de muchas otras cosas, un depósito de ciertos modos de imaginar esperanzadamente el futuro.Aquí se ofrece una apuesta alejada tanto de la nostalgia por los tiempos idos de la contracultura y el arte experimental como de las letanías que intentan dar por terminadas dichas experiencias bajo la lógica del mercado.El tema invisible de este libro es el paso del tiempo y su efecto corrosivo en las aspiraciones revolucionarias de ciertas obras.

Desde inicios del siglo XIX, arte y política fueron moldeados por la fuerza centrífuga que irradió la Revolución industrial: movimiento de exclusión social, por un lado; rechazo categórico por el otro, de ciertos signos, objetos o imágenes. Como en el modelo de la termodinámica, la energía social produce un residuo, generando zonas de exclusión en las que se apiñan en completo desorden el proletariado, los explotados, la cultura popular, lo inmundo y lo inmoral: el conjunto subvaluado de todo lo que no se podría ver. Luego de los polémicos y muy exitosos Estética relacional, Postproducción y Radicante, Nicolas Bourriaud se propone presentar en este nuevo libro el ámbito de lo exformal como el lugar donde se desarrollan las negociaciones fronterizas entre lo excluido y lo admitido, entre el producto y el residuo. El término «exforma» designará aquí a la forma atrapada en un procedimiento de exclusión o de inclusión. Es decir, a todo signo que transita entre el centro y la periferia, flotando entre la disidencia y el poder. Bourriaud analiza los efectos de esta mutación en nuestros modos de pensar o de sentir, a través de las máquinas ópticas que proporciona el arte contemporáneo.

Estos díalogos nos hablan del comienzo de una nueva era en los museos, porque estamos ante el comienzo de una nueva era en el mundo. Pero aquí, como en cualquier rincón del planeta, los cambios no surgieron de la nada. Fueron germinando a lo largo de las décadas, a medida que olas de trasnformaciones sociales planteaban nuevas exigencias a las instituciones culturales y se postulaban ideas progresistas sobre qué es un museo. El nuevo siglo ha marcado una fase de pluralismo para las instituciones de arte. Ya no están obligadas a copiar viejos modelos ni a importar ideas foráneas. Se ha abierto un campo fértil de posibilidades para los museos, sobre todo para aquellos que funcionan por fuera de los que se consideraban centros del arte occidental.