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Dice Abraham Cruzvillegas en La voluntad de los objetos: «Cada artista pone y construye sus propias metodologías, reglas, leyes y órdenes, mismas que, muy probablemente, en una buena cantidad de ejemplos, están y seguirán estando basadas en un conjunto, indescifrable por subjetivo, de contradicciones, llamadas estas últimas por algunos "praxis". Precisamente, en estas contradicciones y rupturas está la riqueza de sus obras: en el riesgo». Si algo caracteriza la obra de Cruzvillegas es el riesgo implícito en la expansión temporal y formal. El riesgo inmanente en la capacidad que tiene el artista de, en palabras de Jimmie Durham, fundir en su obra los tres tiempos (pasado, presente y futuro) y de disolver las fronteras entre las distintas disciplinas artísticas (fotografía, cine, música, imagen, escultura, instalación, performance, teatro, escritura), para generar un discurso que se ciñe sólo a sí mismo, que se gesta conforme avanza, que avanza sobre la duda, y que encuentra en la construcción de la identidad una especie de faro hacia donde dirige casi todos sus esfuerzos. El eje del trabajo de Cruzvillegas se encuentra alrededor del proyecto "Autoconstrucción", cuyas diversas instalaciones y exposiciones le han dado la vuelta al mundo. Menos conocida -mas no de menor importancia- es su faceta como escritor. Cruzvillegas erige sus textos a partir de la viva voluntad de los objetos con un tono único y personalísimo elaborado por esa fascinante aproximación que tiene por la cultura entendida en su más amplia y flexible expresión.

La imagen, como objeto historiográfico y fuente documental de suma utilidad, parece estar constituyendo en la actualidad un campo de investigación interdisciplinar que algunos denominan "historia de la cultura visual"; donde, sobre todo, confluyen la Historia y la Historia del Arte. Así, el estudio de la iconografía, desde una perspectiva diferente a la tradicional, otorga una especial relevancia al contexto y el acervo ideológico-cultural en el que surge y cumple su función. Del mismo modo, a la influencia ejercida por los hábitos y usos visuales de cada etapa histórica, decisivos en la manera de ver y entender las imágenes. El arte, pues, es una consecuencia de las instituciones sociales de su entorno, mas ello no impide que sus artífices puedan transgredir las normas estilísticas refrendadas. A partir de este prisma metodológico, el libro explora el impacto del discurso ascético-espiritual en la producción artística de la Contrarreforma, pero desde el punto de vista de la religión. En un periodo histórico en el que la Iglesia se benefició de las cualidades seductoras y conmovedoras del arte, de su virtualidad ritualista y ceremoniosa, en aras de la transmisión y consolidación de principios ético-piadosos paradigmáticos.

Michel Melot traza en nueve capítulos la historia de la imagen. Nueve momentos como elipses en el espacio y en el tiempo; de un instante a otro. El autor inicia su historia de la imagen, que va del sueño a la pantalla, preguntándose cómo esta sola palabra ;imagen; puede contener tantas maravillas, pues por sí misma evoca la magia. Partiendo de las pinturas y figurillas de la Prehistoria y de las imágenes religiosas de la Edad Media, examina el nacimiento del retrato, del libro y del grabado, pasando a la prensa, a la fotografía y al cine para concluir con la televisión, Internet y la videosfera, en una época en la que las imágenes nos devoran, nos acosan, y poco a poco disminuye el espacio dejado entre la imagen y lo que representa, e incide también en los problemas, tan actuales, de la mecanización en la reproducción y de la propiedad de las imágenes.

Una cronología del arte expone con claridad las obras más relevantes del arte occidental y las sitúa dentro de su contexto político, económico, literario, científico y social, ofreciendo así una comprensión más profunda de las influencias que subyacen en algunas de las obras de arte más importantes del mundo, además de nuevas perspectivas de la historia del arte en sí. Una línea del tiempo central coloca las obras de arte clave junto a los eventos y acontecimientos importantes, ofreciendo un panorama completo y contextualizado de la evolución del arte. Va desde las primeras pinturas rupestres hasta las instalaciones artísticas callejeras más recientes. Sus vigorosas características especiales destacan los acontecimientos sociales, estilísticos y técnicos de cada periodo. Da prioridad a un acercamiento puramente cronológico, evitando las limitaciones académicas convencionales y devolviendo al arte su lugar como parte de la historia humana universal.

HISTORIA DEL ARTE consta de cuatro volúmenes elaborados por treinta y dos reputados especialistas procedentes de diversas universidades españolas. En la segunda edición, actualiada y revisada, del CUARTO VOLUMEN de la serie se explica la evolución de las formas artísticas, la arquitectura y la cultura de masas desde el siglo XIX a los inicios del XXI. Tres módulos independientes dedicados al siglo XIX abordan la arquitectura y el urbanismo, la pintura y la escultura de esa época; un capítulo complementario analiza los autores, de Manet a Van Gogh, que anticiparon las estéticas vanguardistas, y el inicio de los cambios operados en las artes plásticas desde el impresionismo al fauvismo. En el siguiente capítulo se expone una profunda revisión de las vanguardias históricas (del cubismo al surrealismo), con especial hincapié en dos figuras clave de este período: Picasso y Duchamp. A diferencia de otros libros de historia general del arte, en el presente manual la creación contemporánea es tratada con especial atención y cuidado. Así, se dedican dos extensos capítulos a la arquitectura y el urbanismo de todo el siglo XX y de los inicios del XXI, y a las artes plásticas desde 1945 hasta la actualidad más inmediata. Por último, el capítulo final analiza las transformaciones acontecidas en el seno del arte contemporáneo como consecuencia de la irrupción de los medios de masas.