** ESTETICA RELACIONAL ( 3 º ED. )

En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, el joven fundador y ex director del Palais de Tokyo parisino, Nicolas Bourriaud -autor del libro recientemente reeditado por Adriana Hidalgo, Postproducción- precisa el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales. Las teorizaciones que recorren Estética relacional surgen precisamente a partir del conocimiento profundo de la obra de los más conspicuos artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de Estética relacional es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.

Protagonista del llamado «arte argentino de los noventa», Pablo Siquier realizó su obra de la última década profundizando las posibilidades compositivas y lógicas que avizoró a fines de los años ochenta: las de una geometría que le escapa a su propio orden. Ningún artista de su generación es más riguroso y obsesivo, y ninguno se dedicó a un campo de juegos pictóricos tan delimitado. Sólo recientemente el propio Siquier advirtió que, en el fondo, pinta el mismo cuadro desde hace más de veinte años. En la entrevista con Leopoldo Estol, Siquier habla de los cambios que se fueron produciendo en el circuito artístico local desde fines de la década del ochenta hasta la actualidad, analiza las diferentes etapas de su trabajo y los sistemas de representación que empleó en cada una, además de reflexionar sobre algunas ideas centrales del arte del siglo XX. En su ensayo, Damián Tabarovsky define la obra de Siquier como una geometría imperfecta afectada por una historia precisa: la de la abstracción geométrica de las vanguardias históricas. En ese sentido, la obra se constituye a la vez como testimonio de la historia del arte de las últimas décadas, y como pintura después del fin del arte (o búsqueda moderna después de lo moderno). De ese «post» de la obra de Siquier, sostiene Tabarovsky, nace una pintura cuya naturaleza inestable, incluso desquiciada, resulta de la imposibilidad de resolver la tensión de opuestos de la que está hecha. En diálogo con esta interpretación, Claudio Iglesias revisa el debate crítico que se dio en torno a la obra de Siquier durante los años noventa y, a partir de allí, plantea la hipótesis de que es en el trascendentalismo de la proyectación donde la obsesión que Siquier demuestra por el diseño le contesta, bajo las formas de lo monstruoso y de lo muerto, al idealismo funcionalista de ciertas vanguardias (el arte concreto, entre ellas).

El Siluetazo es la más recordada práctica artístico-política que proporcionó una potente visualidad en el espacio público al movimiento de derechos humanos a fines de la última dictadura argentina. Impulsado desde la revista ramona, este libro aparece cuando se cumplen veinticinco años de aquel acontecimiento. En este volumen se reúne por primera vez una serie de documentos (escritos y fotográficos), testimonios e interpretaciones hasta ahora dispersos o inéditos. Los materiales y los registros de escritura son notoriamente polifónicos y no apuestan a un relato único. Configuran, más bien, un collage aún por completarse, ejercicios de una memoria en conflicto.

Además de las fotografías de la obra del autor, este libro incluye escritos que son la síntesis de temas desarrollados en conferencias y charlas dadas en diferentes épocas y lugares y que obedecen a la inquietud de quienes deseaban conocer, de boca del pintor, experiencias sobre su quehacer que suman aspectos de interés a la obra del artista. Al realizarse la selección, Travieso quiso dejar constancia de la imposibilidad de hablar de su pintura, de la inexistencia de fórmulas y del misterio que rodea el suceder de su trabajo de pintor.

Al margen de toda corriente estética, entendido por la crítica a la vez como un artista que retomó la tradición del arte concreto en la Argentina, como puro formalista o excéntrico cabalista, Fabio Kacero ha creado una obra que puede absorber discursos ajenos y esquivarlos al mismo tiempo. Hasta hace unos años, el artista era más conocido por un conjunto de enormes e impenetrables acolchados y una serie de diminutas e íntimas cajitas de transparencias. Sólo unos pocos habían tenido acceso a un archivo de trabajos que, en su vastedad y riqueza, ponían en jaque varios de los presupuestos que hasta entonces se habían esbozado sobre su obra. Por primera vez, este libro presenta un panorama de su inagotable producción. Aquí están sus tempranos paneles minimalistas, sus envoltorios, sus capitonés, pero también su producción más secreta, esa que sólo en los últimos años ha comenzado a asomar: sus Lenf, sus videos, su interés por la literatura, y la que es quizás la actitud que completa su obra: sus performances. Porque si hay un artista en la Argentina que en la década del noventa parece haber entrelazado vida y obra al punto tal que ya no se distingue dónde termina el hombre y dónde empieza su creación, ese es Fabio Kacero.

«Supongamos que es posible identificar las particularidades de las artes del presente. Supongamos, en fin, que, a pesar de la incesante variedad de prácticas que pueblan el variabilísimo presente, pueden proponerse generalizaciones que permitan agudizar nuestras observaciones y refinar nuestras ideas sobre lo que constituye la singularidad de las artes de estos años. Tales suposiciones están en el punto de partida de este libro; las páginas que siguen son una tentativa de avanzar en esa dirección. Con Estética de laboratorio Reinaldo Laddaga continúa y profundiza las investigaciones, ideas y teorizaciones de su ensayo anterior, Estética de la emergencia.