SIQUIER

Protagonista del llamado «arte argentino de los noventa», Pablo Siquier realizó su obra de la última década profundizando las posibilidades compositivas y lógicas que avizoró a fines de los años ochenta: las de una geometría que le escapa a su propio orden. Ningún artista de su generación es más riguroso y obsesivo, y ninguno se dedicó a un campo de juegos pictóricos tan delimitado. Sólo recientemente el propio Siquier advirtió que, en el fondo, pinta el mismo cuadro desde hace más de veinte años. En la entrevista con Leopoldo Estol, Siquier habla de los cambios que se fueron produciendo en el circuito artístico local desde fines de la década del ochenta hasta la actualidad, analiza las diferentes etapas de su trabajo y los sistemas de representación que empleó en cada una, además de reflexionar sobre algunas ideas centrales del arte del siglo XX. En su ensayo, Damián Tabarovsky define la obra de Siquier como una geometría imperfecta afectada por una historia precisa: la de la abstracción geométrica de las vanguardias históricas. En ese sentido, la obra se constituye a la vez como testimonio de la historia del arte de las últimas décadas, y como pintura después del fin del arte (o búsqueda moderna después de lo moderno). De ese «post» de la obra de Siquier, sostiene Tabarovsky, nace una pintura cuya naturaleza inestable, incluso desquiciada, resulta de la imposibilidad de resolver la tensión de opuestos de la que está hecha. En diálogo con esta interpretación, Claudio Iglesias revisa el debate crítico que se dio en torno a la obra de Siquier durante los años noventa y, a partir de allí, plantea la hipótesis de que es en el trascendentalismo de la proyectación donde la obsesión que Siquier demuestra por el diseño le contesta, bajo las formas de lo monstruoso y de lo muerto, al idealismo funcionalista de ciertas vanguardias (el arte concreto, entre ellas).

Uno de los más importantes artistas latinoamericanos del último medio siglo reúne en este volumen su pensamiento artístico, crítico y teórico, que continúa el formulado en su primer libro Antiestética (1965): artículos, conferencias y textos inéditos que Noé escribió en Buenos Aires, Nueva York y París entre 1966 y 2006. Los cuatro ejes que articulan este libro son: el arte entre la tecnología y la rebelión, arte y lenguaje, arte y poder y la ampliación del concepto de pintura. Noescritos sobre eso que se llama arte es el testimonio teórico de «un pensamiento en estado de evolución» en el que continuamente se cruzan los temas permanentes de este artista y pensador: el caos como estructura, las relaciones entre arte y teoría, la cuestión artística en América Latina, la pintura como lenguaje artístico y la crisis de la imagen simbólica.

Durante la década de 1990 las obras de Marcelo Pombo fueron consideradas emblema de una movida artística que intentaba derrocar la gravedad del arte político y las ínfulas del neoconceptualismo a través de una idea de belleza que muchos tildaron de banal y decorativa. Así, entre adoradas y criticadas, sus obras terminaron el siglo XX convertidas en paradigma de una nueva forma de producir y de entender el arte. Hoy, con el filtro de los años, las obras de Marcelo Pombo permanecen esquivas a toda categoría. Únicas y extrañas, en ellas conviven con desenfado tanto la abstracción, el surrealismo y el barroco, como prácticas consideradas por el gran arte como menores: el diseño, el arte terapéutico, el bricolage y la artesanía. Aquí se presenta por primera vez el arco completo que la obra del artista ha trazado hasta la fecha: desde una temprana época de rebeldía underground, pasando por una manualidad obsesiva y melancólica hasta los hipnóticos y demenciales esmaltes de 2006. Una entrevista exhaustiva que revela las ideas y circunstancias detrás de su producción artística, iluminadores textos críticos y literarios y más de 70 reproducciones traen a la luz la obra y la figura de Marcelo Pombo.

Esta colección da testimonio de esos hombres que pasaron del nomadismo a la vida gregaria y fueron los dueños naturales de los distintos paisajes que habitaron. Ellos fueron los hacedores de un arte sobre rocas como expresión básica de su deseo de perdurar en el tiempo. Recuperar esas imágenes es una forma de buscar los reflejos de un pasado perdido que debe ser rescatado, expuesto y explicado, una estocada al olvido y un deleite para los amantes del arte.

Quienes vienen siguiendo la carrera de Ernesto Ballesteros parecen acostumbrados a que, en cada exposición o evento que organiza, encontrarán algo completamente distinto de lo último que vieron. Quienes no lo conocen, quizás nunca asociarían dos de sus obras al mismo artista. Desde el cómic a la pintura, desde la pintura al dibujo, y de ahí a la fotografía, la organización de juegos, campeonatos, sesiones de peluquería y otra vez al dibujo, Ernesto Ballesteros ha investigado las posibilidades que el arte le ofrecía para decidirse por un absoluto rechazo a la necesidad de elegir. Este libro reúne por primera vez veinte años de su heterogénea producción y da cuenta de que, detrás de la resistencia tajante a la construcción de un estilo, Ballesteros sostiene alegre una idea de arte construido a partir de tres materiales: el juego, el ocio creativo y la participación activa de otros actores en la obra. Mezclando estos componentes en diferentes grados, como si fuese un científico, su producción se nos ofrece a veces abierta, ruidosa, festiva; otras silenciosa y meditativa; pero siempre como el resultado de un incierto experimento. Un texto de Valeria González recorre el desarrollo de la producción de Ballesteros, desde Vito Ver, el cómic existencialista que publicaba en los años 80, hasta sus últimas fotografías, presentadas por primera vez en este libro. Eva Grinstein entrevista al artista insistiendo en su actuación como bisagra entre las estéticas «autistas» de los 90s y las actuales, en donde los artistas permiten que la autoría se realice en conjunto con otros. Por último, se incluye un ensayo de Reinaldo Laddaga que rodea el misterio de la última obra presentada por Ballesteros en la galería Ruth Benzacar: una montaña oscura, negra, enorme, realizada con 40.000 kilómetros de hilo, la medida de la circunferencia de planeta Tierra tomada desde el Ecuador.