FRED ZINNEMANN

Cineasta perteneciente a la "Generación perdida", Fred Zinnemann (1907-1997) pudo conformar a lo largo de casi medio siglo una trayectoria cinematográfica de una notable calidad, pero no lo suficientemente ponderada por el grueso de la crítica a escala mundial. Responsable de algunas películas que forman parte del imaginario colectivo, como "Solo ante el peligro" (1962), "De aquí a la eternidad" (1953) o "Historia de una monja" (1959), Zinnemann se desenvolvió en diversas compañías productoras, siendo la Metro-Goldwyn-Mayer la "major" que lo acogió en sus años de aprendizaje en calidad de cortometrajista. Estamos ante la primera monografía publicada en lengua española sobre el director de origen vienés, en la que se analizan de manera pormenorizada la veintena de largometrajes que jalonan su filmografía, que bien podrían ser consideradas piezas de culto.

Béla Tarr (Pécs, Hungría, 1955) es uno de los mayores cineastas contemporáneos. Su filmografía, consistente en nueve largometrajes y un puñado de cortos, es prácticamente desconocida en España, donde solo se ha estrenado comercialmente El caballo de Turín (A Torinói ló, 2011), película que, según ha declarado Tarr, culmina y clausura su proyecto cinematográfico. Este libro recoge el monográfico dedicado a Béla Tarr publicado en el nº 17 de la revista Shangrila. Derivas y ficciones aparte en mayo de 2013, agotado en la actualidad. Shangrila se propuso el rescate y la difusión de la obra de Tarr mediante el lanzamiento del mencionado monográfico de la revista, centrado en el análisis de lo que consideramos sus núcleos sensibles, y la edición en español, en nuestra colección Contracampo, de El tiempo del después, libro del filósofo y ensayista Jacques Rancière dedicado exclusivamente al análisis de la filmografía de Tarr, que constituye un aporte sustancial para la comprensión de su mundo de imágenes. Con la publicación del presente libro y la todavía viva comercialización del libro de Rancière antes citado, perseveramos en dicho objetivo.

Las Historia(s) del cine de Jean Luc Godard son un despliegue de citas (de imágenes, textos y sonidos) ensambladas, intervenidas y ancladas en el arte del montaje, esa vía regia ambivalente entre el síntoma y la síntesis, el hallazgo fortuito y el axioma. Citar es citar a comparecer, a rendir cuentas ante el presente de la historia. Es romper el acto de interlocución para que brote el géiser de los significados imprevistos, es desmontar y reencuadrar para ver lo que no se ha visto, para remontar lo que se montó sin ver. Godard: el trauma y la culpa de que el cine haya ignorado el Holocausto, la proyección de esa cuenta pendiente en el horror contemporáneo (el conflicto palestino-israelí), la revuelta obstinada contra el origen (el maoísmo radical del Mayo Francés contra la familia antisemita en tiempos de guerra). Godard: la oscilación entre la puesta en poema y la puesta en fórmula, la exploración y el dogma, la huella de la historia y la imagen de marca, el instante frágil e impuro y la verdad decretada sin matices. Del montaje-preocupación, ávido de deseo, al montaje-fusil, ávido de una conclusión. El no comment godardiano como apertura experimental y como clausura institucionalizada (porque lo dice Godard, desde su estatuto de autor y autoridad, desde su estatura de estatua). Godard, tan cerca de la deconstrucción y el metalenguaje, tan lejos del fragmento en bruto de lo real; tan cerca, siempre, de Malraux, tan lejos, a veces, de Benjamin. Un arte inmenso que toma posición y se deja tentar por la toma de partido, que empuña el sello de la obsolescencia del pasado frente a la supervivencia de lo antiguo. Godard frente a Pasolini, su gemelo en las antípodas. No hay inocentes ni oprimidos en el cine de Godard. Pero Godard es imprescindible. Godard: cirujano infatigable y altivo profeta, desmontado por Georges Didi Huberman. Bajado, con manos rigurosas, de la parálisis del pedestal. Puesto a rodar entre otras historias inconclusas, vuelto humano.

La escritura cinematográfica de Werner Herzog ha devenido la representación de los avatares del dispositivo cinematográfico a caballo entre finales del siglo pasado y comienzos del presente. La hibridación entre ficción y realidad ha acompañado la constante búsqueda de una verdad cinematográfica de naturaleza poética y extática por parte de este cineasta apátrida a lo largo de una filmografía transitada por una galería de personajes conformada por individuos desarraigados, marginales y marcados por la diferencia en rebelión contra una sociedad (cuya tendencia represora Herzog desenmascara con insistencia) que los rechaza. El dispositivo herzoguiano ubica en el centro de su universo fílmico aquello que los modelos de representación hegemónicos flanquean y soslayan, pues el del autor de Fitzcarraldo es, en forma y en contenido, un cine de la alteridad, de la diferencia. La presente monografía se vertebra a partir de ensayos escritos por diversos autores (que constituyen un muestrario de heterogéneas metodologías) en torno a aspectos temáticos, narrativos y/o formales de su obra y del análisis de gran parte de su filmografía, en los que afloran los grandes temas que el realizador aborda en sus películas: el fantasma de la locura, el éxtasis, el fanatismo, el choque intercultural, las barreras para la genuina expresión humana y la rebelión del individuo contra la sociedad, las circunstancias vitales y/o las fuerzas naturales, entre otros.

Cinéfilo compulsivo, miembro de la Resistencia, cineasta amateur, creador de sus propios estudios de cine, maestro de los realizadores de la Nouvelle Vague, director de una serie de policíacos inconfundibles, creador de un universo cinematográfico que le pertenece en exclusiva. Todas estas circunstancias marcaron el itinerario vital y sobre todo creativo de Jean-Pierre Melville. Cuando comienza el rodaje de Le silence de la mer, en 1947, está dando inicio no solo una trayectoria cinematográfica que se constituirá en una de las aportaciones más singulares de la cinematografía francesa de los siguientes veinticinco años, sino que asimismo está naciendo uno de los principales precedentes a los que acudirá la generación que a finales de los cincuenta modificará trascendentalmente el cine de su país. Pero la radicalidad y el inconformismo que informan esta opera prima serán en realidad las que definan toda la obra de su autor, un trayecto creativo que importa un creciente aislamiento formal, un imparable proceso de ensimismamiento que llega casi a lo autárquico, una paulatina especialización y un repliegue de progresiva densidad en sus obsesiones. Así, a partir de los años sesenta su personal modulación del cine negro constituirá la aportación europea más perdurable al género. Y, paralelamente, sus tres películas ambientadas en la época de la Ocupación, que atraviesan su carrera desde sus inicios hasta su época final, convierten a Melville probablemente en el realizador que mejor ha tratado ese período. Este libro supone la primera monografía en español dedicada a Jean-Pierre Melville. En él se repasan las circunstancias históricas e industriales en que realizó su obra, se tratan las particularidades de cada uno de sus filmes y la aportación de cada una de ellos a la evolución de su obra, los rasgos más definitorios de su peculiar tratamiento del género negro, de un cine histórico centrado exclusivamente en el período de la Ocupación o de su muy personal forma de afrontar la adaptación de obras literarias. Asimismo, en congruencia con la intensa ligazón de la obra del cineasta protagonista de este libro, se analizan algunas de las claves (eminentemente formales) que recorren la carrera de Melville prácticamente de principio a fin. Por último, un apartado que sirve como epílogo rastrea las huellas de su obra en el cine de las últimas décadas, lo que se ha materializado en películas de directores como Rainer W. Fassbinder, Fernando di Leo, Jim Jarmusch o Quentin Tarantino.