TRAVIESO ( TD )

Además de las fotografías de la obra del autor, este libro incluye escritos que son la síntesis de temas desarrollados en conferencias y charlas dadas en diferentes épocas y lugares y que obedecen a la inquietud de quienes deseaban conocer, de boca del pintor, experiencias sobre su quehacer que suman aspectos de interés a la obra del artista. Al realizarse la selección, Travieso quiso dejar constancia de la imposibilidad de hablar de su pintura, de la inexistencia de fórmulas y del misterio que rodea el suceder de su trabajo de pintor.

Quienes vienen siguiendo la carrera de Ernesto Ballesteros parecen acostumbrados a que, en cada exposición o evento que organiza, encontrarán algo completamente distinto de lo último que vieron. Quienes no lo conocen, quizás nunca asociarían dos de sus obras al mismo artista. Desde el cómic a la pintura, desde la pintura al dibujo, y de ahí a la fotografía, la organización de juegos, campeonatos, sesiones de peluquería y otra vez al dibujo, Ernesto Ballesteros ha investigado las posibilidades que el arte le ofrecía para decidirse por un absoluto rechazo a la necesidad de elegir. Este libro reúne por primera vez veinte años de su heterogénea producción y da cuenta de que, detrás de la resistencia tajante a la construcción de un estilo, Ballesteros sostiene alegre una idea de arte construido a partir de tres materiales: el juego, el ocio creativo y la participación activa de otros actores en la obra. Mezclando estos componentes en diferentes grados, como si fuese un científico, su producción se nos ofrece a veces abierta, ruidosa, festiva; otras silenciosa y meditativa; pero siempre como el resultado de un incierto experimento. Un texto de Valeria González recorre el desarrollo de la producción de Ballesteros, desde Vito Ver, el cómic existencialista que publicaba en los años 80, hasta sus últimas fotografías, presentadas por primera vez en este libro. Eva Grinstein entrevista al artista insistiendo en su actuación como bisagra entre las estéticas «autistas» de los 90s y las actuales, en donde los artistas permiten que la autoría se realice en conjunto con otros. Por último, se incluye un ensayo de Reinaldo Laddaga que rodea el misterio de la última obra presentada por Ballesteros en la galería Ruth Benzacar: una montaña oscura, negra, enorme, realizada con 40.000 kilómetros de hilo, la medida de la circunferencia de planeta Tierra tomada desde el Ecuador.

«Supongamos que es posible identificar las particularidades de las artes del presente. Supongamos, en fin, que, a pesar de la incesante variedad de prácticas que pueblan el variabilísimo presente, pueden proponerse generalizaciones que permitan agudizar nuestras observaciones y refinar nuestras ideas sobre lo que constituye la singularidad de las artes de estos años. Tales suposiciones están en el punto de partida de este libro; las páginas que siguen son una tentativa de avanzar en esa dirección. Con Estética de laboratorio Reinaldo Laddaga continúa y profundiza las investigaciones, ideas y teorizaciones de su ensayo anterior, Estética de la emergencia.

Figura esencial en la articulación del arte de los ochenta con el de los noventa, docente de artistas desde hace más de tres décadas, pintora de género y materializadora de objetos, muestras y diccionarios colectivos, Diana Aisenberg es una personalidad indiscutiblemente influyente en el arte argentino de las últimas décadas. Sin embargo, hasta ahora, el cuerpo de obra que produjo, tan numeroso como complejo, permanecía oculto detrás de su enérgica función de educadora. Este libro reúne por primera vez el trabajo que Aisenberg desarrolla desde hace tiempo. Aquí están sus madonas, los cuadros de los ochenta en los que revisó la pintura religiosa en clave feminista. Aquí sus combos, las instalaciones que cuestionaban la relación de la pintura con la realidad. Aquí sus interpretaciones pictóricas de la arquitectura del cielo; aquí sus animales, sus flores, sus pizarrones; aquí sus tributos a la madona de las artes, las instalaciones a las que invitó a participar a toda la comunidad artística, con las que le devolvía al arte su carácter sagrado y devocional, y que constituyen una extensión natural del trabajo en grupo que realiza en sus clínicas y talleres. El libro incluye un ensayo de Roberto Amigo que, dejando de lado la organización cronológica, descubre y conceptualiza los temas e iconografías que aparecen intermitentemente en la producción de la artista. A su vez, María Moreno la somete a su mítico sistema de preguntas en una entrevista que demuestra la continuidad que existe entre la biografía y el credo artístico de Aisenberg. Finalmente, un texto de Santiago Villanueva describe el método educativo que implementa en sus clínicas, seminarios y talleres, y lo conecta con la tradición pedagógica de la peña y los talleres de artistas en Argentina.

En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, el joven fundador y ex director del Palais de Tokyo parisino, Nicolas Bourriaud -autor del libro recientemente reeditado por Adriana Hidalgo, Postproducción- precisa el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales. Las teorizaciones que recorren Estética relacional surgen precisamente a partir del conocimiento profundo de la obra de los más conspicuos artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de Estética relacional es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.

Durante la década de 1990 las obras de Marcelo Pombo fueron consideradas emblema de una movida artística que intentaba derrocar la gravedad del arte político y las ínfulas del neoconceptualismo a través de una idea de belleza que muchos tildaron de banal y decorativa. Así, entre adoradas y criticadas, sus obras terminaron el siglo XX convertidas en paradigma de una nueva forma de producir y de entender el arte. Hoy, con el filtro de los años, las obras de Marcelo Pombo permanecen esquivas a toda categoría. Únicas y extrañas, en ellas conviven con desenfado tanto la abstracción, el surrealismo y el barroco, como prácticas consideradas por el gran arte como menores: el diseño, el arte terapéutico, el bricolage y la artesanía. Aquí se presenta por primera vez el arco completo que la obra del artista ha trazado hasta la fecha: desde una temprana época de rebeldía underground, pasando por una manualidad obsesiva y melancólica hasta los hipnóticos y demenciales esmaltes de 2006. Una entrevista exhaustiva que revela las ideas y circunstancias detrás de su producción artística, iluminadores textos críticos y literarios y más de 70 reproducciones traen a la luz la obra y la figura de Marcelo Pombo.