POMBO

Durante la década de 1990 las obras de Marcelo Pombo fueron consideradas emblema de una movida artística que intentaba derrocar la gravedad del arte político y las ínfulas del neoconceptualismo a través de una idea de belleza que muchos tildaron de banal y decorativa. Así, entre adoradas y criticadas, sus obras terminaron el siglo XX convertidas en paradigma de una nueva forma de producir y de entender el arte. Hoy, con el filtro de los años, las obras de Marcelo Pombo permanecen esquivas a toda categoría. Únicas y extrañas, en ellas conviven con desenfado tanto la abstracción, el surrealismo y el barroco, como prácticas consideradas por el gran arte como menores: el diseño, el arte terapéutico, el bricolage y la artesanía. Aquí se presenta por primera vez el arco completo que la obra del artista ha trazado hasta la fecha: desde una temprana época de rebeldía underground, pasando por una manualidad obsesiva y melancólica hasta los hipnóticos y demenciales esmaltes de 2006. Una entrevista exhaustiva que revela las ideas y circunstancias detrás de su producción artística, iluminadores textos críticos y literarios y más de 70 reproducciones traen a la luz la obra y la figura de Marcelo Pombo.

En 1992 Sebastián Gordín se paró en las puertas del Instituto de Cooperación Iberoamericana de Buenos Aires con una pequeña maqueta que replicaba las salas de dicho centro, y, dentro de ellas, una exhibición de sus obras en minitatura. Llevaba una linterna en la frente para iluminar el recorrido que ofrecía a los transeúntes: una visita guiada por la miniexhibición. Con esa acción Gordín definía con claridad sus intereses artísticos: lo pequeño, la miniatura, la creación de liliputienses mundos construidos con paciente destreza artesanal, con fantástica y meticulosa imaginación. A través de más de sesenta imágenes de color, esta publicación recorre las distintas obras de Gordín: sus primeras pinturas y maquetas, entre las que se destaca Scoop, el robot que cobra vida; los "gordinoscopios", unas enormes cajas con mirilla para asomarse; la serie espacial que, plena de referencias al cine y a los cómics, muestra el futuro tal como podría haber sido imaginado en el pasado; las posibles cubiertas de revistas "pulp" realizadas en marquetería; el Museo de Arte Zombie, que se publica por primera vez en este volumen y que consiste en la libre recreación de narraciones y leyendas sobre muertos y aparecidos, Gordín es el quinto de una serie de libros sobre artistas contemporáneos argentinos, publicada por Adriana Hidalgo editora en colaboración con Ruth Benzacar Galería de Arte. El volumen incluye, además, un texto ensayístico de Graciela Speranza, y un diálogo entre Gordín y Alfredo Prior.

Beto De Volder abandonó el ambiente artístico en 1996. En lo que iba de la década, había ya participado de los espacios más relevantes para su generación. Pero, dentro de una escena que se estaba despidiendo de los últimos resabios del expresionismo y abrazaba la causa neoconceptual, De Volder de cansó de la exigencia de tener que justificar una y otra vez su trabajo. Retomó entonces el dibujo, que ya había aparecido en sus primeras obras para convertirlo en el núcleo de su producción. Este libro muestra cómo, a partir de ese momento, la línea de De Volder fue devorando sus referentes a medida que escapaba del papel y continuaba sobre vidrios o imanes, era calada en madera o proyectada sobre muros y paredes, e incluso se transformaba en aluminio para dibujar sobre el espacio, corporizada como objeto. La publicación se organiza a partir del esquema con el que el propio De Volder explica e ilustra su trabajo: un diagrama de conjuntos con el dibujo en el centro, como génesis de un sinfín de series y variaciones. Por su naturaleza expansiva y continua, el diagrama funciona a la vez como síntesis y llave del universo De Volder. El texto de Alberto Passolini que se incluye supone un hallazgo. Relaciona la obra de De Volder con el tango, y desvía así con elementos locales la tradición constructiva en la que se suele inscribir su trabajo. Un ensayo historiográfico de Isabel Plante recorre su trayectoria e identifica continuidades entre la producción de los años noventa y la actual. Por último, en un breve escrito, Santiago García Navarro descubre referencias figurativas en la obra de De Volder y cuestiona la dupla formalismo/contenidismo para dar cuenta del uso de la abstracción en artistas que iniciaron su trabajo en la década del noventa.

En este libro se reúnen los textos programáticos, manifiestos y declaraciones de principios de la historia del arte argentino moderno y contemporáneo. Desde los protomanifiestos iniciales y antecedentes del siglo veinte, pasando por las vanguardias con sus manifiestos propiamente dichos, hasta llegar a los artistas y grupos más actuales.Manifiestos argentinos no sólo analiza e investiga la propia figura ideológica, estética y política del manifiesto como tal, sino también su función y cambios a lo largo de cien años. A través del libro, donde queda demostrado que las artes visuales son también un terreno de disputas que exceden el terreno artístico, se puede leer como además cómo a lo largo del siglo XX el arte ha sido tomado, según cada momento histórico, como herramienta pedagógica, como arma política, como juego de colores y formas, como expresión estetizante, como pura discursividad, como parte de otros campos de la cultura, como ejercicio autorreferencial, como utopía social, entre otras variantes. Los textos de Fernando Fader y Martín Malharro, Xul Solar y Emilio Petorutti, Lucio Fontana, Antonio Berni y Tomás Maldonado son sólo algunos de los que van construyendo, de manera inteligente y polémica, esta historia de las disputas y programas artísticos: las políticas de lo visual del arte argentino del siglo XX.

En este polémico y desafiante conjunto de ensayos, el joven fundador y ex director del Palais de Tokyo parisino, Nicolas Bourriaud -autor del libro recientemente reeditado por Adriana Hidalgo, Postproducción- precisa el sistema de ideas y el funcionamiento de un nuevo paradigma artístico destinado a interactuar en la esfera de las relaciones sociales. Las teorizaciones que recorren Estética relacional surgen precisamente a partir del conocimiento profundo de la obra de los más conspicuos artistas internacionales de los años noventa, hoy en plena actividad, y de exponer los principios que estructuran sus pensamientos. El libro viene a responder, entre otras, a la pregunta «¿de dónde viene esta obsesión por lo interactivo que atraviesa nuestra época?». Uno de los motivos que deslumbran al lector de Estética relacional es la eficacia de estos ensayos, el modo en que se vuelven herramientas imprescindibles para comprender las claves del arte actual.

Artista, fotógrafo, docente y curador durante más de diez años del espacio fotográfico del Centro Cultural Rojas, Alberto Goldenstein no solo es el autor de un proyecto fotográfico vasto y complejo que lo coloca en la lista de artistas esenciales de las últimas décadas sino que, además, puede considerárselo uno de los catalizadores fundamentales para el ingreso de la fotografía a la escena del arte contemporáneo en los años 90 en Buenos Aires. Aquí se presenta una amplia selección de sus trabajos que abarcan desde fines de los años ochenta hasta la actualidad, reuniendo por primera vez un cuerpo de obras que Goldenstein viene realizando desde hace más de treinta años. La edición incluye un ensayo de Paola Cortes Rocca quien contextualiza el trabajo del artista dentro de las discusiones estéticas de la década del 90 y la historia de la fotografía. El texto de María Gainza manifiesta la interrelación íntima entre su biografía, su figura como creador y su obra.