FRAGMENTOS DE UNA TEORIA ROMANTICA DEL ARTE

Nos trasladamos a otro tiempo (y en presente, el presente de sus autores, pleno siglo XIX), asistimos a una época en la que como revulsivo al racionalismo de la Ilustración y al Neoclasicismo imperante aparece una línea de pensamiento centrada en el sentir. La creación artística y la recepción de la obra de arte interpretadas desde la emoción, el entusiasmo, las pasiones incontenibles; respondiendo con justicia al movimiento estético denominado " Sturm und Drang " (tempestad y arrebato); germen primero del Romanticismo alemán. La supremacía, pues, del sentimiento frente a la razón, del liberalismo frente al espíritu racional e hipercrítico del despotismo ilustrado. Era el momento de imponer la creación a la mera imitación de la tradición clásica, era la oportunidad para despertar el gusto y el placer por lo inacabado o lo imperfecto, frente a lo cerrado y concluido. Un caldo de cultivo en el que desarrollar lo individual, la responsabilidad del ser humano de ahondar en su subjetividad y hacerse libre frente a los postulados de índole social. La antología de textos, realizada y traducida por Javier Arnaldo, incluye autores fundamentales del Romanticismo alemán como Schiller, Schelling, Kleist, Schlegel, Novalis, Goethe, Runge o Moritz, entre otros. Una selección indispensable para entender un todo a través de los fragmentos de sus principales pensadores. Dichos textos vienen organizados en bloques temáticos dedicados a la inspiración (preocupación fundamental en el Romanticismo), a la imitación del arte y de la naturaleza, la reflexión en la obra, la representación y el símbolo, el mito y el modelo intelectual, y diversos aspectos programáticos que incluyen el primer idealismo alemán, la educación estética del hombre o el fin de la función del arte.

Heinrich Wilhelm von Kleist. Johann Christoph Friedrich Schiller. August Wilhelm von Schlegel. Johann Christian Friedrich Hölderlin. Friedrich Wilhelm Joseph von Schelling. Novalis (Georg Friedrich Philipp Freiherr von Hardenberg). Johann Wolfgang von Goethe. Phillip Otto Runge. Karl Philipp Moritz. - La inspiración. - Imitación del arte e imitación de la naturaleza. - La representación. - El símbolo. - El mito del modelo intelectual. - Aspectos programáticos diversos.

Para David Hockney, una imagen es la única forma en que podemos dar razón de lo que vemos. Sin embargo, todos los creadores de imágenes se enfrentan a un problema común: cómo plasmar lo tridimensional, personas, objetos y lugares, sobre una superficie plana. Los resultados suelen clasificarse como cuadros, fotografías o películas. También pueden catalogarse por fechas y estilos: medievales, renacentistas, barrocos. Hockney afirma que, en primer lugar y de manera fundamental, todos son imágenes, ya estén hechos con un pincel, una cámara o un programa digital, ya se encuentren sobre la pared de una caverna o en la pantalla de un ordenador. Y para que comprendamos cómo vemos el mundo que nos rodea (y por tanto a nosotros mismos) es necesaria una historia de las imágenes. Eso es lo que propone este libro. Con la experiencia y el entusiasmo de toda una vida dedicada a pintar, dibujar y crear imágenes con cámaras, Hockney (en colaboración con el crítico de arte Martin Gayford) explora cómo y por qué se han creado las imágenes a lo largo de los milenios. ¿Qué hace que unas marcas sobre una superficie plana sean interesantes? ¿Cómo se muestra el movimiento en una imagen fija, y, a la inversa, cómo conectan el cine y la televisión con los grandes maestros? ¿Qué maneras hay de condensar espacio y tiempo en una imagen estática sobre un lienzo o en una pantalla? ¿Qué muestran las imágenes: verdades o mentiras? ¿Presentan las fotografías el mundo tal y como lo percibimos? Con la yuxtaposición de una rica variedad de imágenes (un fotograma de una película de Disney con una xilografía de Hiroshige, una escena de una película de Eisenstein con un cuadro de Velázquez), los autores traspasan las habituales barreras entre la cultura elevada y el entretenimiento popular, y establecen así unas inesperadas relaciones a través del tiempo y de los diferentes medios, afirmando al mismo tiempo que el cine, la fotografía, la pintura y el dibujo están profundamente interrelacionados. Una historia de las imágenes, obra lúcida y perspicaz, supone pues una importante contribución a nuestra manera de percibir la forma en que representamos la realidad.

Imágenes de la tradición y la modernidad: Las pequeñas joyas que integran este muestrario iconográfico comentado provienen, en su mayoría, de la tradición de la imprenta renacentista y fueron enriquecidas con las aspiraciones estéticas de los movimientos artísticos del siglo XIX. Se trata de cabeceras, esquineras, marcos y viñetas, conocidos genéricamente como clichés, que entraban en conjunción con la tipografía para dar realce y embellecer los impresos al filo entre los siglos XIX y XX. El buen uso de estos elementos gráficos apoyaba los fines comerciales o publicitarios que tenían la mayoría de los impresos, al tiempo que garantizaba la realización estética de las artes gráficas y el éxito de la imprenta.

Lo más fascinante de este relato es la sensación de misterio que comunica. Por descontado que Segalen está buscando el acontecimiento. Cree que el acontecimiento que va a marcar su vida se encuentra en la China profunda. En las comarcas de su antiorigen, en las antípodas de su cultura occidental. Un médico francés quiere asistir al nacimiento del Imperio chino. ¿Cómo? A partir de su estatuaria, sabiendo que las esculturas definen mucho una cultura, la caracterizan, la marcan, la tornan bastante transparente, pues a través de ellas es posible percibir el grado de civilización de un pueblo. Segalen sabe que con que llegue a él una sola escultura de la época del Primer Emperador (260-210 a. C.) bastará para que, de pronto, de ese único objeto surja todo un periodo histórico, al igual que de la magdalena de Proust surge todo el universo de los Guermantes. Del prólogo de Jesús Ferrero

Escrito hace ya más de medio siglo, no por azar después de los horrores de la Segunda Guerra Mundial, este libro trata de las representaciones de lo demoníaco en el arte europeo desde el siglo XIV al XVII. En el Prólogo a este ensayo Corrado Bologna comienza por presentarnos al autor de esta obra, Enrico Castelli, como un enamorado de la categoría de lo demoníaco, y lo compara con Eugenio d;Ors por su pasión por el barroco, o con Jurgis Baltrusaitis por su gusto por lo fantástico. Los diarios de Castelli ;de los que se citan algunos pasajes en el Prólogo; muestran el itinerario de la construcción del libro: cómo las visitas a los museos del norte de Europa, en especial a los de München y Colmar, y la visión de los Brueghel, Memling, Grünewald, Altdorfer o Durero, provocaron este «pensamiento del arte», esta «teología del arte». Este gran humanista que durante años reunió en Roma a la flor de la intelectualidad europea en unos encuentros «epifánicos» (Paul Ric;ur, André Chastel, Raimon Panikkar, Karl Kerényi, Emmanuel Lévinas, y otros) forjó una hermenéutica espiritual del arte, de la que este libro es su mejor expresión.

"... Soy de esas mujeres que si quiero la luna me la bajo yo solita...", es solo una de las icónicas y célebres frases de Frida Kahlo contenidas en esta selecta colección. En "Mi libro diario Frida Kahlo" podrá llevar un registro de su día a día, una bitácora o sus apuntes personales y además plasmar allí sus pensamientos, tal como lo hiciera la famosa pintora.