TRADICION Y DEUDA

Tradición y deuda busca desarticular la idea de la tradición europea y estadounidense como única tradición moderna. Por eso propone un conjunto de genealogías del modernismo a través de particularidades que van por fuera de la tradición occidental dominante. Por un lado se postula la genealogía poscolonial, el modernismo del realismo socialista de la Unión Soviética, China y otros estados satélite. Por la otra, una tradición underground en América Latina y Europa del Este. El libro reflexiona acerca de la globalización como un esfuerzo por luchar contra la desposesión simbólica y económica que llevó a cabo el eurocentrismo y el supremacismo blanco. Joselit no descarta las tradiciones dominantes, sino que las entiende en el contexto de otras expresiones simultáneas que fueron forzadamente sincronizadas, a fines de los años ochenta y comienzos de los noventa. Esta sincronización puso a dialogar las distintas tradiciones modernistas, haciéndolas corresponder en un marco temporal de un modo que puede resultar opresivo. Por eso el autor propone cambiar el término contemporaneidad, por el de sincronización, dado que se sincronizó la pobreza con el capital. Hablar de contemporaneidad supone una coexistencia neutral. Pensar la sincronización busca reflexionar sobre las distintas modernidades como una lucha.

Frente a la reducida visión de los especialistas, Rudolf Wittkower pone de relieve en esta obra cómo las diferentes culturas del este y el oeste pueden inspirarse recíprocamente sin por ello perder su originalidad. Esta peculiar «migración de los símbolos» la estudia Wittkower en la difusión mundial del motivo de «el águila y la serpiente» y, sobre todo, en las maravillas, monstruos y portentos que, vistos o imaginados en oriente, según el testimonio de Megástenes, Marco Polo y otros viajeros, pasaron a ser parte de la cultura europea. El otro gran tema del libro es la forma plástica de la que se han revestido en el arte occidental ideas tan significativas como las de Tiempo y Virtud, Paciencia y Ocasión, Muerte y Resurrección, junto con los intentos hechos en los albores del Renacimiento italiano para dar nueva vida a los jeroglíficos egipcios, entendidos como recipientes de una recóndita sabiduría. Rudolf Wittkower fija también su mirada en el «lenguaje gestual» que tanto llama la atención en las figuras de santos y ángeles de El Greco, reconstruye los pasos dados por Tiziano hasta pintar La religión socorrida por España, según puede ser contemplada en el Museo del Prado, y completa el círculo de sus indagaciones esclareciendo, con erudición y agilidad, la relación de la imagen y el concepto, la percepción y la interpretación, así como los diferentes niveles de significación que cabe hallar en los símbolos visuales.

Este ensayo sobre la estética en la cultura moderna emplea el concepto de modernidad en dos sentidos diferenciados. Por un lado, el término se refiere al período de formación que se extiende desde finales del siglo XVII, promovido por el debate en todos los dominios artísticos entre los antiguos y los modernos, hata el primer tercio del siglo XIX. La construcción de lo moderno es inseparable de la ruptura de los órdenes estables del Discurso clásico; se vincula, pues, al abandono del ideal de perfección humanista y a la destrucción de la imagen clásica del mundo y del arte, lo cual no disipa su permanente añoranza. Por otro, la modernidad, en el sentido más estricto de modernité, es encumbrada por Baudelaire, hacia mediados del siglo XIX, a la categoría por antonomasia de una nueva estética. Simon marchan Fiz se propone deshilvanar ciertos hilos conductores, ciertos paradigmas de los saberes estéticos desde los albores de nuestra modernidad, así como comprometer a la propia estética con esta modernidad y a la inversa.

La estética nazi ofrece un exhaustivo recorrido por el interior del mito del nacional-socialismo; examina sus metáforas y da cuenta de su estructura. Según Éric Michaud, ese mito apeló a dos grandes modelos: el arte y el cristianismo. El propio Hitler se presentaba como el «Cristo alemán» y como el «artista de Alemania» y asimilaba el trabajo a la actividad artística con la expresión «trabajo creador». Condición de artista del Führer, la visibilidad del genio y su reproducción, las imágenes de la temporalidad nazi, el estatuto de la experiencia vivida en el ámbito de la pintura, las intersecciones entre artistas, trabajadores y soldados, la incidencia doctrinaria -y sus conflictivas relaciones- de figuras como las de Gottfried Benn y Richard Wagner; todo ese arco es recorrido por el apasionante ensayo de Michaud, a 70 años del comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

Los tatuajes pequeños están de moda. Con celebridades del mundo de la moda y la música exhibiendolos en las redes sociales, nunca se habían visto tanto. Este libro de referencia recoge más de 1000 mini obras de arte en una gama de estilos y temas cuidadosamente seleccionados y organizados por la talentosa tatuadora y estrella de Instagram Rebecca Vincent. Ofrece abundante inspiración para artistas tatuadores o para cualquiera que quiera introducirse en el mundo de la tinta.